Az Ermitázs 12 leghíresebb festménye

A Szentpéterváron található Ermitázs Múzeum a művészet palotája, amely számos felbecsülhetetlen értékű remekműnek ad otthont. A világ öt, illetve tizenöt leglátogatottabb művészeti múzeumának egyike. Az Ermitázst Nagy Katalin hozta létre császári magángyűjteményként. Innen ered a név, amely a francia ermitage szóból származik, ami azt jelenti, hogy „a magány helye”. Az évek során a gyűjtemény jelentősen gyarapodott, és 1852-ben megnyitották a nagyközönség előtt. Ma az öt épületből álló múzeumban a kiállítási tárgyak száma meghaladja a hárommilliót. Különösen értékes a festménygyűjtemény, amely a különböző országok és korok legjobb művészeinek alkotásait tartalmazza. Az alábbiakban tizenkét híres festményt mutatunk be az Ermitázsban látható festmények közül.

A leghíresebb Ermitázs festmények áttekintése

„Péter és Pál apostolok”, El Greco

Értékelés: 5.0

Az álneves El Greco, akinek valódi neve Domenikos Theotokopoulos volt, olyan festő, akinek stílusa jellegzetes. A spanyol reneszánsz manierista és expresszionista hatásainak keveréke. A festő állítólag az elsők között volt, aki Pál apostolt és Pétert együtt ábrázolta. A festmény e két legfontosabb keresztény személyiség ellentétes karakterét és lelki világát ábrázolja. A kontraszt lehetővé tette, hogy a művészet nyelvén keresztül fejezzék ki a kor nagy vallási kérdéseit. Pál erős, határozott egyéniségként jelenik meg, keze erőteljesen a Szentíráson nyugszik, tekintete rendíthetetlen, szinte fanatikus bizalomról árulkodik. Péter ezzel szemben az elmélkedés és a belső kételyek megtestesítője. Ez az értelmezés jelentősen eltért a 16. század végi egyházi normáktól, amikor a képet festették, de összességében összhangban volt az evangéliummal. Péter apostol szeszélyességéről volt ismert, míg Pál apostol, aki eleinte ádáz keresztényüldöző volt, később ugyanilyen lelkes bajnoka lett a kereszténységnek…

Az apostolok lelki alkatának különbözőségét nemcsak arckifejezésük és testtartásuk hangsúlyozza, hanem színesen is. A művész feltűnő sötétvörös ruhák segítségével tette kiemelkedővé Paul képét, az arca is gazdagabb, élénkebb színű. A kompozíció általánosságban a magasztosság és a szorongás légkörét teremti meg, ami El Greco összes művére jellemző.

„Madonna Conestabile”, Raffaello Santi

Értékelés: 4.9

Ez a híres olasz reneszánsz festő egyik legkorábbi műve; 20 éves kora körül festette, Perugia városában való tartózkodása alatt. Alfano di Diamante hercegének megbízásából. Eredetileg csak „Madonna és gyermeke” volt, de a modern név a tulajdonosáról, Giovanni Conestabile-ről származik, aki a festményt a fényűző palotával együtt örökölte. A remekmű II. Sándor császárnak köszönhetően került Oroszországba, aki feleségének, Marija Alekszandrovnának vásárolta ajándékba.

Lírai, nőies kép egy anyáról, aki a karjában tartja gyermekét egy dombos tájban, Umbriában, Olaszország Toszkánával szomszédos régiójában. A Madonna alakja a fedett vállak áramló vonalaival ideálisan mutat a kerek kép keretében. A kompozíció nagyon egységesnek és harmonikusnak tűnik a szereplők tekintetének egységes iránya miatt – az anya és a baba egyaránt a könyvbe néz. Azt feltételezik, hogy Raffaello műveit a szülői környezetéhez és a fiatalon elhunyt édesanyjához fűződő emlékei ihlették.

„Abszint szerető”, Pablo Picasso

Értékelés: 4.8

A huszadik század elején a francia festészetben igen népszerű volt a bűn és a függőség témája, különösen az abszint. A rendkívül erős, hallucinogén ital a párizsi beau monde igazi fétisévé vált. Ezen túlmenően, a húsz éves művész volt csak egy „kék időszak”, amelynek során festett többnyire témák tele magány és a magányosság és a kietlenség. A festmény főszereplője az önpusztítás útját választó ember minden csúfságában jelenik meg. Egy sarokban ül, elszigetelten, egyetlen társa egy kék szifon és egy pohár zöld itallal. Mögötte a falon egy tükör lóg, amely a fényes külvilágot tükrözi, de a nő inkább ezt választja saját fantáziáinak és hallucinációinak, amelyeket a bódító alkohol hatása okoz.

A cselekmény drámaiságát fokozzák a kezek eltorzult, túlságosan hosszú ujjai, amelyekkel az abszintimádó átöleli magát, mintha illúzióit próbálná megvédeni a valóságtól. Természetellenes pózba merevedett, úgy tűnik, mintha élettelen tárggyá változott volna, és az asztalon álló üveggel és pohárral vált rokonává. Ez a szimbolizmus mind a színvilágban, mind a nő és az abszintkészítő hasonló körvonalaiban megjelenik.

„A tékozló fiú visszatérése”, Rembrandt Harmens van Rijn

Értékelés: 4.7

Rembrandt sok bibliai témájú képet készített, de az egyik legismertebb a bűnbánó tékozló fiú története, aki visszatér apjához, miután minden vagyonát elsikkasztotta. Ez a remekmű a művész kései időszakában készült, aki nemcsak a felhalmozott tapasztalatait, hanem a fia, Titus elvesztésének érzelmeit is beletette. A festmény főszereplői nincsenek központosítva, hanem a fény segítségével mesterien körvonalazódnak. Ez a térdelő fiú és a fölé hajoló apa, akinek egész testtartása és arckifejezése az abszolút megbocsátásra utal. Jól látható a kontraszt a család gazdag ruhái és a teljes szegénységbe taszított tékozló fiú rendkívül kopottas ruhái között.

A film a néző figyelmét nem annyira az eseményre, mint inkább a családi dráma résztvevőinek érzelmi élményére irányítja. Az apa és a fiú mellett a festmény négy másik személyt ábrázol, akiknek kiléte a mai napig rejtélyes. Rembrandt műve 1967-ben megihlette a híres brit zeneszerzőt, Benjamin Britten-t, aki az akkori szovjet Ermitázs Múzeumban tett látogatása során egyszer látta, és nem sokkal később megírta A tékozló fiú című zenés operáját.

„Magzatot tartó nő”, Paul Gauguin

Értékelés: 4.7

A festmény címe is „Eu haere ia oe”, ami azt jelenti: „Hová mész??”, és lényegében azt a kifejezést jelenti, amellyel a tahitiak üdvözölték egymást a találkozáskor. Gauguin Polinéziában töltött tartózkodása alatt festette, ahol a természettel való harmóniát és inspirációt kereste. Az élénk színekkel teli egzotikus növényzet, a szigetek élete és egyedülálló kultúrája nagy hatással volt rá. De a művész különösen csodálta a tahiti nőket, akik egyszerűségükkel és primitív kecsességükkel nagyon különböznek az európai nőktől. Az egyik bennszülött az előtérben látható, kezében egy zöldes színű gyümölccsel (amely valószínűleg vizesedényként szolgál). Ketten mások a kunyhók közelében ülnek, míg egy másik távolról, egy csecsemőt a karjában tartva figyeli őket. Ez egy hétköznapi epizód a szigetlakók mindennapi életében, de Gauguin a természet természetes ritmusáról beszél.

Az egzotikus és a civilizáció által nagyrészt érintetlen szépség megragadásának vágya arra késztette Gauguint, hogy gyakorlatilag minden hagyománytól és a hagyományos festészet szabályaitól eltérjen. A művész által létrehozott egyéni stílus feltételezte az általánosítást, a formák és a fény átvitelét minimális eszközökkel. A festmény élénk színpalettája egy forró trópusi nap hangulatát tükrözi. Az emberek nyugodt, nyugodt pózai és a ruházatukon lévő leveles minták pedig a környezetükkel való spirituális rokonságot szimbolizálják.

„Kompozíció VI”, Wassily Kandinszkij

Értékelés: 4.7

Kandinszkij a világ egyik első absztrakcionistája volt. Az orosz művész hozzájárulása a festészet ezen ágának fejlődéséhez olyan nagy, hogy az Ermitázsban külön szobát különítettek el a munkásságának. Az 1913-ban készült „VI. kompozíció” az egyik legérdekesebb mű, az élénk színek és a lendületes szabad vonások nem is tükrözhetnék jobban a huszadik századi művészet új korszakának viharos kezdetének dinamikáját. A festmény koncepciója eredetileg a bibliai világvíz témájára készült vázlat megfestése után alakult ki. Később azonban Wassily úgy döntött, hogy felhagy a konkrét eseményhez kötöttség gondolatával, és a nézőre bízza a jelentés és az érzelmi komponens saját értelmezését.

A festmény tárgy nélküli világa görbék, vonalak és színfoltok ritmikus váltakozásaként jelenik meg. Maga a művész szerint két kompozíciós központ van a vásznon: a bal oldali rózsaszín, amely körül a kék „hullámok” habzanak, és a piros-kék, durva, kemény vonalakkal. A vászon durva és sima részeinek váltakozása, valamint az egymásnak ellentmondó elemek kiegyensúlyozása lehetővé tette az absztrakt téma integritásának elérését.

„Lady in Blue”, Thomas Gainsborough

Értékelés: 4.7

A festményt az Ermitázs angol festményekből álló gyűjteményének legszebbjeként tartják számon. Annak ellenére, hogy Gainsborough előszeretettel foglalkozott tájképekkel, elsősorban a romantikus portréiról vált ismertté. A festményről széles körben úgy tartják, hogy Elizabeth Beaufort hercegnőt, Boscawen admirális lányát ábrázolja. A művész legfőbb sajátossága az volt, hogy nemcsak a szépséget, hanem a modell hangulatát és személyiségjegyeit is igyekezett átadni, hogy a kép minél élőbb legyen. Munkáiból hiányzik a barokk korszak merevsége. Harmonikus színösszeállítás, amely a kék és a szürke színeket ötvözi. A stílus könnyű, sűrű és különböző formájú ecsetvonásokkal fest, néha olyan vékony ecsetvonásokkal, hogy a vászon szövete átfénylik.

A szerző különös figyelmet fordított a kompozíció nagy részét elfoglaló, díszes, magas parókára, mivel gondosan megtervezte a 18. századi női kép e divatos elemét. A strucctollas kalap szintén divatos, akárcsak a fehér púder használata a vállak és még a mellkas megtisztítására, mivel a sápadt bőr az arisztokrácia velejárójának számított.

„Waterloo híd. A köd effektus, Claude Monet

Értékelés: 4.6

Claude Monet francia festő a 20. században rendkívül népszerű impresszionista festészeti irányzat egyik úttörője volt. A londoni Waterloo híd témája által egyesített festményciklusát a Temzére néző Savoy Hotelben tartózkodva kezdte el. A kísérletező kedvű és avantgárd művész Monet gyakran vizsgálta a hangulati állapotok lehetőségeit a festékkel. És természetesen nem hagyta ki a lehetőséget, hogy megörökítse a brit fővárost beborító híres ködöt. A művész Londonban kezdte, majd francia műtermében fejezte be a művet emlékezetből, nem annyira a város és a folyó körvonalait, mint inkább a saját érzéseit ábrázolva a tájról, amelyet megszeretett.

Claude Monet festményét a legjobb távolról szemlélni, amikor az első pillantásra kaotikus ecsetvonások kaleidoszkópja varázslatos módon átalakul híddá és a Temze vizévé a fölöttük kavargó köddel. Jól kivehetővé válnak a gyárkémények és az úszó hajók sziluettjei. A lila és a kék árnyalatai nyilvánvalóan uralják a színvilágot, így teremtve melankolikus hangulatot a ködbe burkolózó Londonban.

„Jeanne Samarie színésznő portréja”, Pierre-Auguste Renoir

Értékelés: 4.5

A női portrék Renoir életművének fontos részét képezték. Széles körben ismert a Jeanne Samarie színésznővel készült festménysorozatáról, aki a művész közelében élt, és szívesen állt modellt neki. Négy különböző portrét festett, amelyek mindegyike különbözik mind a kompozíció, mind a színek tekintetében. Ezt a festményt Renoir egyik legimpresszionistább művének tartják. Jellemző a laza stílus a gondtalanság határán, amellyel a modell frissességének, fiatalosságának és nyugodt nőiességének hangulatát közvetíti. Érdemes megjegyezni, hogy a szerző kissé megszépítette Jeanne külsejét, hogy belső báját és életszeretetét a vásznon közvetítse.

Amikor a festményt a harmadik impresszionista kiállításon bemutatták, nagy feltűnést keltett, és a közönség többsége inkább kritizálta. Nem csoda, hiszen a 19. század végén a dekoratív, romantikus festészet még mindig keresett volt, az impresszionizmus pedig még csak gyerekcipőben járt. Ráadásul a zöld ruha rózsaszín háttérrel való kombinációját nem tartották megfelelőnek. A műértők szűk körében azonban pozitív visszhangra talált a művész bátorsága, hogy a hagyományok helyett saját érzékenységét követte.

„A lantjátékos”, Michelangelo Merisi da Caravaggio

Értékelés: 4.5

„A lantos” Caravaggio egyik legkorábbi műve, amelyet a 16. század végén készített mecénása, Francesco del Monte bíboros megbízásából. Egy fiatalembert ábrázol, aki egy asztalnál ül, és lanton kíséri magát. Lágy androgün vonásai miatt sokáig lánynak nézték. A vásznat még egy múzeumban is kiállították „A lantos hölgy” címmel. Számos művészettörténész véleménye szerint a főszereplő Mario Minniti, egy fiatal szicíliai művész képmásáról készült. Közvetett bizonyíték arra, hogy Caravaggio a szóban forgó fiatalembert festette, a Jacob Arcadelt „Voi sapete ch’io vi amo” (Tudod, hogy szeretlek) című, azokban az években népszerű „Voi sapete ch’io vi amo” (Tudod, hogy szeretlek) című művére nyitott füzet. Egy nő aligha választana ilyen dallamot, arról nem is beszélve, hogy a lantot hagyományosan férfihangszernek tekintik.

Az árnyékok mesteri kezelése a művész stílusának egyik jellemzője volt, és kedvenc trükkje, hogy egyetlen fényforrással kiemel egy kompozíciót a homályból. Minden tárgy a fizika törvényei szerint pontosan visszaveri a ráeső fényt. Ez a hitelesség valószínűleg annak köszönhető, hogy Caravaggio szoros kapcsolatban állt olyan neves tudósokkal, mint Galileo Galilei és Giovanni Batista della Porta, a fénytörésről szóló tudományos munka szerzője. Sokak szerint a festmény szemantikai jelentése az élet harmóniájának dicséretét és a mulandóságának siratását ötvözi. A szerző két másik változatot is írt ebből a műből, az egyik most a New York-i Metropolitan Művészeti Múzeumban, a másik a Badminton House brit rezidencián található.

„Danaë”, Vechellio Tiziano

Értékelés: 4.5

Tiziano, a velencei főreneszánsz festő többször is az ókori mitológia témáit dolgozta fel műveiben. Danaë-t festett a spanyol király számára. A cselekménye egy ókori görög legendán alapul, amely Akrísziosz, Argosz királyának lányáról szól. Az udvari jós jóslatát hallva, miszerint a király saját unokája halálát jósolta, a király egyetlen lányát egy bevehetetlen toronyba záratta, ahová halandó nem juthatott el. A hatalmas Zeusz istennek azonban, akit elvarázsolt a lány szépsége, sikerült aranyesővel elárasztania Danaét. A félisten és ókori hős Perseus e kapcsolat eredményeként született.

A művész nyugodtnak és fenségesnek ábrázolja Danaët, aki felhajtás és meglepetés nélkül fogadja az égi szerelmet. A lány arca részben árnyékban van, de testének íveit ezzel szemben lágy, aranyszínű fényben fürdik. Ez a Tiziano kép egyfajta himnusz az érzékiséghez és a női szépséghez. A festő maga nevezte vászonra vetett versnek.

„Benoit-i Madonna”, Leonardo da Vinci

Értékelés: 4.5

A Madonna és virág néven is ismert festmény az utolsó tulajdonosokról, az orosz művész- és gyűjtő dinasztia Benoit. Az olasz zseniális festő 26 éves korában alkotta meg ezt a művet, miután már befejezte tanulóéveit Andrea Verrocchio mellett. A Madonna témája már jóval Leonardo előtt is keresett volt a művészetben, de neki sikerült új életet lehelni egy gyakori bibliai témába. Az idealista és fenséges, de élettelen képet elutasítva a művész egy földi Madonnát mutat a világnak, akit az anyaság öröme emészt. Fiatal arcát olyan mosoly díszíti, amelyet korábban Krisztus anyjának arcán nem tartottak helyénvalónak. Mária keresztre feszített virágot nyújt a fiának. Élénk, frappáns és megható motívumok sorozata, amelyek megmagyarázzák a művészet jelentését, és megmagyarázzák a mögöttük álló szándékokat.

A festmény kompozíciója két fényforrással rendelkezik. Az egyik egy kis ablak a Madonna mögött, de a fő fény balról felülről árad, a művész „felveszi” a szürkület alakjait, és a fény és az árnyék tökéletes játékát adja nekik. Olajfestékkel festve a textúra legapróbb részleteit is részletesen és valósághűen lehetett visszaadni. Az olajfestés technikája a 15. század végi Itália számára újdonság volt, és Da Vinci az elsők között használta munkáiban.